牟田義仁写真展「onbeat!4」

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不意に時間が空いたので、ひさびさに新宿の写真ギャラリーをはしごした。

いろいろ観たが、強く印象に残ったのは最終日だった瀬戸さんの展示と、サードディストリクトギャラリーで今週いっぱい開催している牟田義仁さんの「onbeat!4」だった。

自分は牟田さんの作品が大好きなので、ギャラリーの告知を読んだとたん、すっかりうれしくなってしまった。足取り軽く急な階段を登り、扉を開けると、そこにはクールにちょっとつきはなしたような牟田さんの作品がならんでいる。コンパクトカメラ撮影の気軽さと、それでいてしっかり計算された構図、そして丁寧なプリントがもたらす心地よさが、鑑賞者の心をひきつけてやまない。

ひとつひとつの作品をゆっくり鑑賞しながら、しばし浮世の騒動を忘れる。作品が写しているのは紛れもない現実世界であり、けっして幻想的な描写ではない。むしろ、現実と真正面から向き合うリアリズムを感じさせる作品なのだが、それでいて浮世離れした気高さをただよわせている。

ぜひ、会場でそういう多層的な作品の良さを感じてほしい。

会期は5月23日まで。

瀬戸正人写真展「Last Film」と「記憶の地図」

東京都写真美術館と新宿のPlace Mで瀬戸正人氏の写真展が開かれているので、それぞれ年末と年初に鑑賞しました。両方を鑑賞して気がついたのですが、ふたつの展示は相補関係にあるので、どちらも鑑賞できたのは実によかったです。

まず、東京都写真美術館の瀬戸正人展「記憶の地図」は、昭和末期の1980年代から最近までの作品を、いくつかの写真プロジェクトを通じて概ね年代順に展示する構成でした。また、タイトルも「記憶の地図」とあるように作家自身を回顧する展示と言えますし、自分も半分近くの作品は初めて展示された頃にリアルタイムで鑑賞していたので、過去を振り返るような鑑賞体験を予期して会場へ足を運びました。

ところが、実際に作品と向き合って感じたのは、現代の日本を予感させるような数々のイメージです。直接的には主にアジア各国から日本へ来て、様々な生活を営んでいる外国人を撮影した連作や、あるいは福島を継続的に撮影したシリーズですが、その他にも公園のカップルを撮影した写真企画や、作家自身の過去を振り返る作品にも現在の日本、少なくとも東京を予見するかのようなイメージが散りばめられていました。

もちろん、作家は写真を通じて社会と向き合っているので、過去の写真に現在との連続性を見出すのは当然でもありますが、自分は単なる連続性を超えた未来へのまなざしとも言えるなにかを感じたのです。

その点で、新宿のPlace Mで開かれている「Last Film」は、写真美術館の「記憶の地図」ときれいな対称をなしているように感じられました。

とにかく、観るものが全て懐かしいのです。これは、展示作品の撮影時期が比較的古く、概ね昭和末期から平成初期の風景という要素も大きいのですが、単に写り込んでいる存在が鑑賞者の記憶と紐付いているだけではない、なにか過去へのまなざしを思わせる写真でした。

こういうわけで、ふたつの展示は未来と過去をまなざす、きれいな対称を描いているように思いますし、そもそもが相補的な企画ですので、ぜひとも会場へ足を運んでいただけたらとおもいます。

高村啓子写真展「浮遊する湿度」と星玄人写真展「横浜」

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秋の連休に新宿方面のギャラリーをはしごしました。

まずは新宿三丁目のサードディストリクトギャラリーで星玄人さんの写真展「横浜」を鑑賞します。星さんのストリートフォトは方法論がしっかりしてて、鑑賞する自分も安心しながら作品の世界、盛り場の夜へと没入できました。すべてモノクロで、夜の盛り場を撮影した作品ですが、地名を冠したタイトルにもかかわらず、強い無名性を感じさせるところは本当に素晴らしい。
また、今回の展示はけっこう以前に撮影した作品も含まれているようで、個々の写真にはそれなりに時間の隔たりもあるのでしょうが、それを感じさせない統一感は流石でした。

次に新宿御苑前のプレイスMで高村啓子さんの「浮遊する湿度」を鑑賞しましたが、こちらもモノクロの銀塩写真を展示していました。繁茂する植物を撮影した作品で、ステートメントにもそれとなく言及されているように、生命を感じさせる作品です。ただ、自分が作品から感じたのは生命のもつ力、それも時として人間やその暮らしを飲み込み、覆い尽くす油断のならなさ、ややもすれば敵対的ですらある暴力性、決してわかり合うことのできない異質な存在としての植物でした。

いずれもおすすめの展示です。どちらも会期は27日まで、ぜひ会場へ足を運んでください。

尾仲浩二写真展「すこし色あせた旅」と前田昌樹写真展「打敷」そしてATSUSHI YOSHIE写真展「TAIWAN 2011-2019」

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思いがけずスキマ時間ができたので、すごく久しぶりに写真ギャラリーをはしごしました。

最初に鑑賞したのはサードディストリクトギャラリーの前田昌樹写真展「打敷」で、都市の近郊と里山が重なり合うような「周辺域」を丁寧に、かつ知的に撮影した作品でした。幸いにも作家氏が在廊しておられたので、自分の拙い感想もお伝えさせていただきましたが、即興性や叙情性と理知的な構図、描写とのバランスに腐心しておられ、また展示環境を考慮したプリントの作成にもかなり気を配っておられるように感じられました。

次に蒼穹舎ギャラリーでATSUSHI YOSHIE写真展「TAIWAN 2011-2019」を鑑賞させていただきましたが、こちらも知的に覚めた空気感と隠し味程度に抑えた叙情性との配分が好ましく、すっかり堪能させていただきました。

そんな心地よさを抱えてプレイスMへ向かったのですが、まさか尾仲浩二氏の展示とは思っていなかったばかりか、ご本人も在廊しておられたので、すっかり舞い上がってしまいました。
尾仲氏については、自分があれこれ説明するのもおこがましいので、写真集専門店Shelf作家解説を参照していただければと思いますが、日本を代表する現代写真家のひとりです。
開催されていたのは尾仲浩二写真展「すこし色あせた旅」で、新型コロナウイルス感染症(COVID-19)の流行によって撮影旅行ができなくなり、その時間を利用してプリントした過去のネガカラー作品を展示したとのことでした。また、同名の写真集も出版され、会場では即売もされていました。
作品についてですが、展示作品の撮影時期は自分にとって写真雑誌やワークショップを通じて尾仲氏の作品と親しんでいた時期と重なるため、どうしても郷愁とか懐かしさが先に立ってしまいがちですが、それは同時に尾仲作品の抒情性や郷愁は見せかけであり、それに足元をすくわれると危ういことを教えられた日々でもありました。
それだけに、自分の経験や記憶がもたらす郷愁、懐かしさが、作品が示す思考の深さ、知的な態度との差分をどうしても意識してしまい、それが微妙な可笑しみともなって、なんとも不思議な鑑賞経験となりました。

前田昌樹写真展「打敷」とATSUSHI YOSHIE写真展「TAIWAN 2011-2019」は明日までですが、尾仲浩二写真展「すこし色あせた旅」は16日まで開催しています。
ぜひ、会場まで足を運んでください。

森山大道の東京 ongoing

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風は強かったものの、思ったより早く雨がやんだので、週末は思い切って写真美術館へでかけました。目的は森山大道氏の国内初となる個展「森山大道の東京 ongoing」です。展示内容などについては、デジカメWatchのレポート「森山大道の東京 ongoing」・「写真とファッション 90年代以降の関係性を探る」展が簡潔にして的確にまとめているので、そちらを参照してください。

個人的に、森山氏は国内外の若手写真作家や愛好者から半ば神格化されていると言ってもよいほど熱狂的な支持を受けつつ、同時に自分と同世代やそれ以上の年齢層からは時として冷ややかに、あるいは意識して言及を避けるかのように扱われる、極端な両面性を帯びた人物でした。
特に新宿界隈でストリートフォトを愛好するなら、決して避けては通れない人物であり、またイベントなどはもちろんギャラリーなどで対面することも稀ではありません。そのため、日本写真史に名を刻む人物でありながらも、その影は日常の中に写っては消えてゆく、どこか身近な存在でもありました。

さておき、そんな思いをいだきつつ会場へ向かったのですが、まず最初に観たのは氏の代表作である「三沢の犬」や「Lips」よりセレクトされた作品でした。いずれも壁面いっぱいにまで引き伸ばされており、率直なところ「こんなに大きな作品だったっけ?」との違和感や、またあまりにもオサレなインスタレーションに「あぁあ、森山大道もすっかりアート作家になっちゃった」といった、あたかも老大家が過去の代表作にあぐらをかいているかのような、なんともしょんぼりした気持ちに襲われたのです。

ところが、続く展示室へ入った瞬間、そんな気持ちは吹き飛ばされました。

柔軟な好奇心のおもむくまま、都市を軽やかに撮り続けてきたまなざしの確かさ、シャッタを切る身体のキレが明らかで、また個々の作品が発する印象の積み重ねが全体としての時代性、批評性をもたらす構成の見事さまで、なにもかもが神話的存在としての森山大道そのままだったのです。

まぁ、最初の展示室で失望の奥底から下卑た期待感を、それは老いて時代から取り残されしもののあがきへのそれを覚えなかったかといえば、それはまったくの嘘となってしまいますが、それでも大半が近作であるキレッキレのストリートフォトを心ゆくまで堪能できたのですから、それにまさるものはありません。

ストリートフォトに関心を持つ人はもちろん、そうでない人にも強くおすすめしたい展示です。
会期は9月22日までですが、予断を許さない情勢でもあり、できるだけ早い機会に会場へ足を運ぶようおすすめします。

マヌエル・ファン・ダイク写真展「NODE」

新宿のサードディストリクトギャラリーでマヌエル・ファン・ダイクさんの写真展「NODE」が開かれたので、鑑賞してきました。

マヌエル・ファン・ダイクさんは日本在住のフォトグラファーで、サードディストリクトギャラリーの運営メンバーとしても精力的に活動されています。これまでにもストリートフォトなどの写真展をなんども開いており、この展示はサードディストリクトギャラリーで10回目の個展となるそうです。

展示されていたのは、モノクロのストリートフォト作品が28点でした。

ストリートフォト作品にも、いくつか手法や撮り方があります。展示されていた作品はピントの位置や意図がはっきりしていて、作画としての読みを楽しめるように感じました。しかし、いくつかの作品を繰り返し観ているあいだに、だんだんその読みがあやふやに、曖昧に溶け、不確かな世界へ崩れ落ちていくような、そんな感覚に襲われはじめたような気もします。

作家のステートメントも作品と相互に響き合い、展示空間そのものを引き締めるような存在感を放っていました。

会期は3月22日まで。とてもおすすめの展示なので、ぜひ会場へ足を運んでください。

ソール・ライター写真展”Saul Leiter – Lanesville, 1958″と「永遠のソール・ライター」展

アメリカの写真家で画家でもあるソール・ライターの作品展が渋谷と銀座で開催されたので、鑑賞してきました。展示内容などについては、以下のリンクを参照してください。特に「永遠のソール・ライター」解説ページは作家の略歴や評価が要領よくまとめられていて、さらに作家自身の言葉やキュレーターのコラムなど掲載されているので、とてもおすすめです。

ソール・ライター写真展”Saul Leiter – Lanesville, 1958″

永遠のソール・ライター

肝心の展示ですが、ライカギャラリー東京ではカラー撮影されたヌードを展示しており、渋谷Bunkamuraでは小サイズプリントやコンタクト(ネガを印画紙に並べてプリントしたもので、どのカットを引き伸ばすか検討するために作成しました。デジタルデータでいうプレビューやサムネイルのような位置づけです)、ドローイングなども展示し、総合的に作家を理解させようとしていました。
ライカギャラリー東京はライカ銀座店に併設されたショップギャラリーで、展示空間そのものはこじんまりとしています。ただ、高級ブランドショップがひしめく銀座六丁目のロケーションや、ライカ銀座店の落ち着いた雰囲気をたっぷり味わいながら2階へ上り、プリントラボやサービスカウンタを横目にたどり着くので、作品と向き合う前から鑑賞体験は始まっているように感じました。
作品については、どちらも「ソール・ライター風」と呼ばれる縦位置のやや甘い描写、そして印象的な色彩をワンポイント配置する構成の作品が中心で、夢見がちな雰囲気を感じさせます。ライカギャラリー東京では、そのような縦位置作品のみを展示していましたが、先述のようにBunkamuraでは小サイズプリントやコンタクトも展示していたほか、モノクロのポートレートやヌード、セルフポートレート、もちろん横位置作品も展示していました。

この「ソール・ライター風」と呼ばれる縦位置のやや甘い描写については、望遠レンズによる圧縮効果も指摘されています。具体的には、以下の7 Lessons Saul Leiterで解説されているようなものです。ただ、最後にリンクを張っているソール・ライター財団の動画でも強調されているように、ライカでのストリートフォトというイメージが流布しているため、望遠レンズについては違和感が残っていました。
詳細説明は避けますが、ライカなどの距離系連動型カメラでは望遠レンズが使いにくく、基本的に135mmが限界とされています。しかし、ソール・ライターはそれ以上の150mmレンズを使っていたと明言しているため、好事家の間ではカメラやレンズの推理が盛り上がったりもしました。

7 Lessons Saul Leiter Has Taught Me About Street Photography

7 Lessons Saul Leiter Has Taught Me About Street Photography

とはいえ、以下の記事でも紹介されているように、ソール・ライターはデジカメも含めた数多くの(20台以上もの)カメラを保有、使用しており、その中には一眼レフも含まれています。

1-ソール・ライターを探しに ニューヨーク写真旅

1.ソール・ライターを探しに ニューヨーク写真旅

実際、ソール・ライター財団の動画では東独製の一眼レフHEXACON(コンタックスSのブランド違い)を構えたセルフポートレートも映されていますから、少なくとも1950年代には一眼レフも使っていたでしょう。レンズはキルフィットのキラー(KILAR 150mm/f3.5)やメイヤーオプティック・ゴルリッツのテレメゴール(TELEMEGOR 150mm/f5.5)など使用可能で、どちらも軟調描写でソール・ライターの作風と調和するように思います。

カメヲタ話はさておき、縦位置でカラーフィルムや望遠レンズを使った作品は、同時代のストリートフォトと一線を画す、どちらかといえばファッションフォトのような撮影姿勢といえます。そして、それらがもたらす作画効果によって、同時代のストリートフォトとは全く異なる、ソール・ライターの作品世界を構築したのはまちがいないでしょう。

いずれにしても、非常に興味深い展示なので、ぜひ会場へ足を運んでください。

三丁目の写真展《巣鴨三丁目編》

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Gallery Conceal渋谷にて開催中の三丁目の写真展《巣鴨三丁目編》を鑑賞しました。展示解説には「数ある三丁目の中からひとつの街を撮影地として、自由に写真表現を行うグループ写真展です」とあるが、率直なところなにがどう三丁目なのか、いまひとつ伝わらないものがありました。
また、展示全体として巣鴨という土地が持つ強烈なイメージを持て余しているようなところもあり、間合いのとり方は難しいところがあるとはいえ、もう少し積極的でも悪くはなかったのではないかという感を覚えなかったといえば、それは嘘になってしまいます。

ただ、ランニングシャツに半パン、虫取り網という出で立ちの男性を撮影した作品は、和紙プリントの甘さとキャラクタとのミスマッチや、巣鴨という場所が持つイメージをうまく取り込もうとした積極性が好ましく、なかなかみごたえがありました。また、壁面の大判プリントとは別にフォトブックを用意し、相補的な意味をもたせたことにも感心させられました。あえて難点を言えば、大判プリントにややノイジーな粒子感やプリントラインが残存していたことで、そのへんを解決すればより主題が明確になったと思います。

その他にもGallery Conceal渋谷では興味深い展示が開かれているので、お時間のある方はぜひ足を運んでください。
会期は今週末までです。